Колоссальная коллекция Русского музея рассредоточена по нескольким зданиям в Петербурге. В статье мы говорим про экспонаты, которые хранятся в Михайловском дворце и Корпусе Бенуа. Но также горячо рекомендуем заглянуть в Мраморный дворец, где выставляется знаменитое собрание Петера и Ирене Людвиг — десятки полотен современных художников, от позднего Пикассо до Кабакова. Про все здания Русского музея читайте в авторском путеводителе.
«Последний день Помпеи», Карл Брюллов
Где: Михайловский дворец, зал 14
Большие художники были в России и до Брюллова — Левицкий и Рокотов, чьи картины тоже хранятся в Русском музее, или Андрей Иванов, у которого как раз учился «великий Карл». Но такого колорита, драматизма и «спецэффектов», как в «Последнем дне Помпеи», у нас ещё не видели.
Грандиозное романтическое полотно создавалось в Италии, куда художник отправился на средства Академии художеств, окончив её с золотой медалью. Брюллов работал над картиной около 6 лет. За это время он побывал на археологических раскопках Помпей и Геркуланума, разрушенных при извержении Везувия в 79 году, внимательно изучил источники, в том числе письма Плиния Младшего, наблюдавшего катастрофу вживую. Художник смог прочувствовать трагедию, посмотреть на неё глазами очевидцев, а потому так глубоко и красочно показал весь ужас, сопровождавший разрушение Помпеи.
Карл Брюллов. Последний день Помпеи, 1833 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
Полотно создавалось по заказу мецената Анатолия Демидова. Первыми картину увидела публика Рима, Милана и Парижа, везде был триумф. В Италии художника «носили по улицам с музыкой, цветами и факелами», а во Франции наградили золотой медалью салона. Когда картина приехала в Петербург, Демидов подарил её императору Николаю I, и некоторое время «Последний день Помпеи» выставляли в Академии художеств. Образованная столичная публика стекалась на Университетскую набережную, чтобы увидеть знаменитое полотно. О шедевре Брюллова писали Пушкин и Гоголь, а Жуковский назвал художника «великим Карлом».
Сюжет картины часто трактуют как гибель языческой цивилизации и начало нового христианского времени. В лицах и позах героев, кроме страха и отчаяния, проявляются любовь, стремление защитить своих близких. Делая реверанс в сторону традиций Возрождения, Брюллов изобразил себя с кистями и другими принадлежностями живописца. А в чертах лица женщины, обнимающей дочерей, узнаётся подруга художника — графиня Юлия Самойлова (к слову, она была приёмной матерью Джованины Пачини — дочери композитора Пачини, написавшего оперу «Последний день Помпеи»).
Карл Брюллов. Последний день Помпеи (фрагмент), 1833 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
В 2024 году картину отреставрировали, и теперь она выглядит так, будто только покинула мастерскую Брюллова.
«Бурлаки на Волге», Илья Репин
Где: Михайловский дворец, зал 33
Без преувеличения великое произведение русской живописи, с которого началась европейская известность Репина. После премьеры в Петербурге «Бурлаки» выставлялись на Всемирной выставке в Вене, где заслужили бронзовую медаль. Затем картину приобрёл великий князь Владимир Александрович и разместил её в своём дворце.
Сюжет для «Бурлаков» Репин нашёл во время путешествия по Неве. В 1868 году он впервые увидел мужчин, тянущих лямку: «Какой, однако, это ужас… Люди вместо скота впряжены!». Затем ездил на Волгу, чтобы познакомиться с бурлаками. Он искренне полюбил этих людей, их манеру одеваться и спокойную стать. Главным в артели был поп-расстрига Канин, который напоминал художнику античного философа.
Илья Репин. Бурлаки на Волге, 1873 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
Весь групповой портрет вышел необычайно выразительным, а потому глубоко задел современников. Критик Владимир Стасов, например, называл произведение «великой, истинно исторической русской картиной», а Достоевский хвалил Репина за то, что художник не сделал героев излишне мелодраматичными, упрекающими: «Славные, знакомые фигуры: два передовые бурлака почти смеются, по крайней мере, вовсе не плачут и уж отнюдь не думают о социальном своём положении», — отмечал он в «Дневнике писателя».
«Бурлаки» стали главной картиной 1870-х и эмблемой передвижников, хотя впервые работу показали на академической выставке. Там она закономерно собрала много критических отзывов консерваторов, однако позднее прочно вошла в канон русской живописи.
«Витязь на распутье», Виктор Васнецов
Где: Михайловский дворец, зал 28
Переломная для самого Васнецова картина — именно с неё началось превращение талантливого жанриста, убеждённого передвижника в сказочника-мифотворца. «Витязь на распутье» написан на сюжет былины «Три поездки Ильи Муромца», но необычен тем, что из фольклорного герой становится вполне правдивым — на нём исторически достоверные доспехи, вокруг показан знакомый русский пейзаж.
Виктор Васнецов. Витязь на распутье, 1882 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
Витязь на коне стоит, задумавшись, перед камнем, на котором написано: «как пряму ехать — живу не бывать — нет пути ни проезжему, ни прохожему, ни пролетному». Тревожное впечатление о неизбежности судьбы усиливают зловещие символы — вороны, черепа и уходящая в сумрачную даль дорога.
Замысел «Витязя» возник у Васнецова ещё в начале 1870-х, а в 1878 году художник представил на передвижной выставке финальный вариант картины. Сегодня он хранится в Серпухове. Картина из Русского музея была написана автором позднее, в 1882 году. Она значительно больше первой версии, некоторые детали на ней изменены.
Виктор Васнецов. Витязь на распутье, 1878 год, Серпуховский историко-художественный музей / serpuhov-museum.ru
Увидеть «Витязя на распутье», а также «Богатырей», «Алёнушку» и другие шедевры Васнецова можно на персональной выставке художника, которая открыта в Корпусе Бенуа до 23 июня 2025 года.
«Христос и грешница», Василий Поленов
Где: Михайловский дворец, зал 32
Правильнее было бы называть картину «Кто из вас без греха», как задумывал художник. Изменить авторское название пришлось по настоянию цензуры, но сам Поленов новое имя не одобрял: «Оно и не мое, и не соответствует евангельскому рассказу».
Написать картину на известный библейский сюжет художник захотел ещё в юности под влиянием произведения Александра Иванова «Явление Христа народу». От идеи до создания окончательной версии полотна прошло около 15 лет. За это время Поленов успел побывать в Египте, Сирии, Палестине, Греции и Риме, чтобы лучше понять исторический контекст. Но самым главным для него было показать живого и близкого Христа, уже пришедшего в мир, чтобы спасать людей.
Василий Поленов. Христос и грешница (Кто без греха?), 1888 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
В картине ясно видно противопоставление между разгневанной толпой, возглавляемой книжниками и фарисеями, и Христом, который говорит: «Кто из вас без греха, первый брось в неё камень». Глубокий гуманистический посыл, несоответствие канонам академической или религиозной живописи обеспечили произведению Поленова спорную репутацию. Работу должны были представить на XV выставке передвижников, но цензор не хотел допускать картину, пока её не посмотрят члены царской семьи. Императору Александру III полотно понравилось, и он купил его за 30 тысяч рублей, перебив ставку Павла Третьякова, который предлагал 24 тысячи. После этого цензура оставила Поленова в покое, а работа «Христос и грешница» заняла на выставке передвижников одно из лучших мест.
«Утро», Михаил Врубель
Где: Корпус Бенуа, зал 76
Панно гения модернизма аллегорически изображает начало нового дня. Пейзаж для Врубеля существовал только с человеком, отсюда фигуры практически сливающихся с фоном женщин. Из-за них картину первоначально называли «Русалки», однако эти образы гораздо сложнее. Одну художник именовал «Лучом» — она встречает восход солнца. Другая, «Фея», выходящая из густой травы, только пробуждается от сна. Ещё одна фигура дана фрагментарно — видна лишь голова с выражением страха и отчаяния. Объясняя значение этой героини, Врубель говорил: «Это сказка».
«Утро» создавалось для особняка промышленника Саввы Морозова в Москве. Заказчик отказался от произведения, и тогда Врубель решил уничтожить работу, но Репин убедил его сохранить панно и показать на выставке русских и финляндских художников в Петербурге. Там произведение вызвало недоумение публики: визионерский замысел Врубеля не оценил даже мирискусник Александр Бенуа. Поддержать автора решилась княгиня Мария Тенишева. Она купила «Утро» для своей усадьбы Талашкино, за что ей потом приходилось терпеть насмешки карикатуристов.
.jpg)
Михаил Врубель. Утро, 1897 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
«Великий постриг», Михаил Нестеров
Где: Корпус Бенуа, зал 68
Произведение входит в цикл о судьбе русской женщины, который Нестеров писал по мотивам романов Павла Мельникова-Печерского. «Великий постриг» часто называют лучшей картиной из серии. Сюжет создавался и под впечатлением личного переживания художника — он хотел жениться на девушке и получил согласие на брак, но внезапно ему пришёл отказ. «Эта картина помогла мне забыть моё горе, мою потерю, она заполнила собой всё существо мое», — говорил Нестеров о «Великом постриге».
На полотне живописец изобразил процессию обитательниц женского скита, сопровождающих подругу на постриг — принятие монашества. Фоном служит тихий, полный символизма пейзаж: берёзы становятся образом чистоты девушки, а возрождающаяся природа намекает на перемены, происходящие в душе человека, который отрекается от былого и начинает новую жизнь.
За «Великий постриг» Нестеров получил звание академика живописи. На выставке картину отметил Николай II, после чего произведение приобрели для музея Александра III.
Михаил Нестеров. Великий постриг, 1898 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
Портрет княгини Зинаиды Юсуповой, Валентин Серов
Где: Корпус Бенуа, зал 69
Признанный автор парадных портретов Серебряного века, Серов изобразил всю семью Юсуповых — Зинаиду, её супруга и сыновей Николая и Феликса. Из них именно княгиня была любимой моделью художника: дружелюбная и умная, она очаровывала всех, даже Серова, который часто относился к своим заказчикам насмешливо.
В портрете Юсуповой легко заметно то «тонкое, хорошее», что отметил художник при первом знакомстве с аристократкой. Княгиня изображена в своём роскошном имении в Архангельском. Прекрасна её поза, грациозный наклон головы и мягкие лучистые глаза. Каждый изгиб здесь на своём месте, а тонкий, жемчужно-розовый колорит дополняют золотой блеск и несколько тёмных акцентов.
Валентин Серов. Портрет княгини Зинаиды Юсуповой, 1902 год, Государственный Русский музей / rusmuseumvrm.ru
В Русском музее можно увидеть весь цикл «юсуповских» портретов Серова — Зинаиды, Феликса-старшего, Николая и Феликса-младшего.
«Купчиха за чаем», Борис Кустодиев
Где: Корпус Бенуа, зал 71
Тёплая, жизнерадостная картина создавалась в голодном 1918 году. В сложное время тяжело болевший Кустодиев обратился к любимой теме — поэзии купечества. Художник ушёл в чудесную страну воспоминаний и изобразил сцену из жизни провинциального города, над которым возвышаются купола белоснежных церквей. Есть в сюжете тоска по тихому и счастливому укладу, безвозвратно исчезнувшему в революционной смуте.
Для картины позировала баронесса Галина Адеракс: художник считал, что пышущая здоровьем, миловидная модель точно выражает идеал народной красоты.
-min.jpg)
Борис Кустодиев. Купчиха за чаем, 1918 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
«Купчиха за чаем» стала одной из самых известных картин русской живописи. Её практически дословно повторили в одной из сцен фильма «Женитьба Бальзаминова», а в эпоху интернета сделали мемом и разобрали на пародии.
«Чёрный квадрат», Казимир Малевич
Где: Корпус Бенуа, зал 76
Скандальную картину Малевича публика впервые увидела в 1915 году. Произведение, с которого начался супрематизм, представили на выставке «0,10» в Петрограде. Авангардист специально поместил «Чёрный квадрат» в красный угол — так он подчеркнул, что создал икону нового времени, века индустриализации.
«Чёрный квадрат — зародыш всех возможностей», — считал Малевич. Абстрактное революционное полотно представляло «ничего», из которого рождается «всё», то есть другие фигуры и оттенки.
Путь к картине, ставшей опознавательным знаком художника, был нелёгким. Первые шаги к «Чёрному квадрату» Малевич сделал в 1913 году, когда работал над декорациями оперы «Победа над солнцем» Михаила Матюшина. А после выставки «0,10» создал ещё несколько вариантов работы. Тот, который выставляется в Русском музее, написан в 1923 году и входит в триптих с «Чёрным крестом» и «Чёрным кругом».
Казимир Малевич. Чёрный квадрат, 1923 год, Государственный Русский музей / commons.wikimedia.org
«Текстильщицы», Александр Дейнека
Где: Корпус Бенуа, зал 80
Одна из самых интересных ранних работ советского художника — самобытный шедевр с футуристичным серебристым колоритом, динамикой конструктивистских форм и полным ощущением невесомости. Дейнека изображает «освобождённый» труд, который наполняет жизнь человека смыслом. Особенно важно, что героинями произведения становятся женщины — в советской стране они могут работать наравне с мужчинами, и способны управлять огромными механизмами даже босиком.
Александр Дейнека. Текстильщицы, 1927 год, Государственный Русский музей. Фото: Александра Шишкина / Горбилет
Интересна композиция произведения: Дейнека применяет характерный для кино и фотографии принцип монтажа. «Текстильщицы» напоминают раскадровку, будто это не три ткачихи, а одна, изображённая в движении.
Художник написал картину во время поездки по заданию журнала «Безбожник», с которым сотрудничал в 1920-е годы. Вместе с этим на произведение повлияли принципы, усвоенные Дейнекой в Обществе станковистов. Участники объединения стремились обновить классическую фигуративную живопись, чтобы с помощью неё отражать идеи и установки молодого СССР. Так реалистический сюжет превратился в метафору труда, выраженную в авангардной манере.