«Щелкунчик»
Двухактный — и последний — балет Петра Чайковского «Щелкунчик» создан по мотивам сказки Эрнста Теодора Гофмана «Щелкунчик и Мышиный король». Автором либретто, в основе которого лежит переложение сказки Александром Дюма-отцом, был знаменитый балетмейстер Мариус Петипа.
Это история о победе Клары и Щелкунчика над Мышиным Королём, и преображении Щелкунчика в Принца стала новогодней и рождественской классикой. В «Щелкунчике» Чайковский обращается к теме преодоления злых чар силой любви. Здесь — слияние выразительного и изобразительного, театральности и глубочайшего психологизма, диалог двух противоположных миров (реального и фантастического), богатые музыкальные выразительные средства и симфонизация.
Премьера «Щелкунчика» состоялась на сцене Мариинского театра. Постановка получилась громкой, комментарии были противоречивы: кто-то отзывался о постановке резко негативно, но были и положительные рецензии. Но, несмотря на критику, балет закрепился в репертуаре Мариинского театра больше чем на 30 лет.
«Спящая красавица»
Иван Всеволожский, директор императорских театров, предложил Чайковскому создать новый балет. Главная идея — сделать пышное и дорогое представление, которое поразило бы зрителей новизной, богатством костюмов и танцевальных номеров. Чайковский с энтузиазмом принялся за работу в сотрудничестве с выдающимся хореографом Мариусом Петипа, и работа длилась с осени 1888 по август 1889 года. Премьера состоялась в январе 1890 года в Мариинском театре. Балет занял одну из главных позиций среди шедевров русского балетного наследия.
Взгляды Чайковского и Всеволжского на музыку расходились. Директор Императорских театров хотел переработать сказку «Спящая красавица» в стиле роскошных спектаклей при дворе Людовика XIV. Чайковский же сосредоточился на романтической оркестровке конца XIX века, и лишь частично использовал стилизацию. Музыкальные замыслы Петра Ильича усложнили хореографическую структуру, и это было настоящим вызовом для Мариуса Петипа. Однако ему удалось достичь хореографических высот, создав в «Спящей красавице» безупречное сочетание танца и музыки в каждом акте.
Здесь, как и во всех сказках, сталкиваются добро, здесь олицетворённое феей Сирень, и зло, за которое отвечает фея Карабос. Извечное противостояние и различие двух действующих сил нашего мира выражено в музыке и танцах: у каждой феи свой лейтмотив — у Сирени это нежный лирический вальс, а у Карабос — неустойчивая и резкая, постоянно меняющаяся музыка. В прологе добро торжествует, но когда Аврора прокалывается веретеном, преобладает злой лейтмотив. В финале, наполненном торжественными мелодиями и звукоподражательными эффектами, на свадьбе Авроры и принца Дезире появляются персонажи из других сказок Перро, каждый из которых представлен как музыкально, так и хореографически.
«Жар-птица»
Игорь Стравинский создал балет «Жар-птица» по заказу Сергея Дягилева для Русских сезонов. В основу легли сказки об Иване-царевиче, Жар-птице и сером волке, о Кащее Бессмертном и Царевне Ненаглядной Красе.
В центре сюжета здесь – Иван-царевич, который оказывается в волшебном саду, где сталкивается с каменными богатырями, превращенными Кощеем Бессмертным, и влюбляется в Ненаглядную Красу, одну из похищенных царевен. Преследуемый слугами Кощея, Иван спасается благодаря свету пера Жар-птицы, разрушая темные чары и восстанавливая христианский город.
Премьера состоялась в Париже на сцене театра Гранд-Опера 25 июня 1910 года в хореографии Михаила Фокина, оформлении Александра Головина и Леона Бакста. В постановке также участвовали художник Александр Бенуа, писатель и знаток древнерусской словесности Алексей Ремизов. Балет стал началом творческого сотрудничества Игоря Стравинского и Сергея Дягилева.
Балет представляет три разных мира: мрачное царство Кощея, волшебный сад с золотыми яблоками и светлый христианский город. В «Поганом плясе» ритмы и свисты флейты-пикколо создают тревожную атмосферу, в то время как появление Жар-птицы сопровождается мягкими мелодиями деревянных духовых и струнных инструментов. Также слышны фрагменты русских народных песен, что добавляет дополнительный колорит к хороводам царевен и радостному финалу.
«Конёк-горбунок»
Первый балет композитора Родиона Щедрина, работу над ним композитор начал еще во время учебы в консерватории. Премьера состоялась на сцене Большого театра 4 марта 1960 года. Авторы либретто — Василий Вайнонен и Павел Маляревский, а в основе сюжета — сказка Петра Ершова «Конёк-Горбунок». Балетмейстер — Александр Радунский, а над визуальной составлящей работал признанный мастер сценографии Вячеслав Окунев.
В балете с первых тактов музыки создается ощущение народного праздника. Быстрая мелодия в исполнении труб и валторн передает шум и движение толпы, а в танцах слышны ритмы с русским притопом. В музыке встречаются частушки, особенно в сценах с Иваном и его братьями, что добавляет веселья и динамики.
Лейтмотивы героев отражают их характер: флейта-пикколо и бубенчики подчеркивают смекалистость Конька, а чеканный ритм фаготов и струнных — упрямство братьев. Темы Царь-девицы выделяются красочной оркестровкой и мелодиями, связанными с русскими народными песнями. Балет завершается праздничным хороводом, где молодецкие пляски и звон колоколов создают атмосферу торжества.
«Каменный цветок»
В основу балета «Каменный цветок» Сергея Прокофьева легли уральские сказы Павла Бажова. Премьера первой версии под названием «Сказ о каменном цветке» состоялась 12 февраля 1954 года в Большом театре в постановке Леонида Лавровского и с дирижёром Юрием Файером.
Идея создания балета пришла Прокофьеву ещё в 1930-х годах, но реализовал её только после знакомства с произведениями Бажова. Композитор, которого давно привлекал богатый и прекрасный Урал, увлекся мыслью воплотить в музыке его красоту, предания, воплощенные Бажовым в «Малахитовой шкатулке».
Начало работы Сергея Прокофьева над балетом «Каменный цветок» относится к 1948 году. В день смерти 5 марта 1953 года композитор работал над партитурой сцены встречи Катерины и Данилы. Вторая редакция балета под названием «Каменный цветок» была представлена Юрием Григоровичем и Аллой Шелест в Кировском театре 22 апреля 1957 года.
В «Каменном цветке» Прокофьев обратился к стихии народной песенности. На первый план выходит мелодическое начало. Композитор не использует подлинных напевов, но его музыка проникнута живыми интонациями фольклора. Три главные образные сферы — фантастическая, связанная с миром Хозяйки Медной горы, лирическая, воплощающая образы Катерины и Данилы, и народно-жанровая, воплощенная в массовых сценах. Им противостоит Северьян как воплощение зла и жестокости.